北京国际电影节联合演员、艺术家谭卓共同创立艺术创新单元（new Movement），作为北京国际电影节的重要亮点单元，艺术创新单元的设立及活动得到了相关政府部门、北京国际电影节及组委会等的全力支持。
艺术创新单元以独特的视角，构筑并展示一系列艺术作品，实现电影与当代艺术的互鉴，用艺术创新的理念与国际艺术界进行交流。同时其公益性部分旨在通过守正创新的作品，畅想时代活跃文化，启发人们对社会生活与自身定位的积极思考。
艺术创新单元（new Movement）
创新是北京国际电影节在各个活动板块始终强调的主线路，艺术事业在时间的流动中，以自我敞开的形式拥抱新命题，亦从其中挖掘以“新”为引力的内容与结构。艺术创新单元通过不同的艺术思维与表达实践，号召新颖独特的艺术作品，经由时间的更迭与变迁，试图在创新为核心的基石之上，展开一系列的探讨与交流。
“2023年芭莎艺术与设计大赏”将“年度绿星设计大奖·文化与艺术创新项目”授予北京国际电影节·艺术创新单元，这个2023年度极具代表性的文化与艺术创新项目由谭卓、何见平、关佳彦等主创，我们邀请他们一起聊了聊关于艺术与创新的话题。
活动幕后图
演员谭卓
2023年4月，演员谭卓受北京国际电影节的邀约，担任第十三届北京国际电影节的艺术创新推广大使、艺术创新单元发起人。
演员与艺术家虽然是两重身份，但对于谭卓来说，二者都是透过作品去呈现自我表达与思考方式的。它们以不同的形式，作用于谭卓的表演事业和艺术创新工作中，相互串联起谭卓作为演员与艺术家的身份，将她理性与感性的思维方式和情感体验，一并释放出来。
艺术创新单元（new Movement）
这并非谭卓第一次接触艺术领域。她作为艺术家首次走入大众视野是在2020年，她的首个公开展出艺术装置《无限的可Baguette》亮相ART021上海廿一当代艺术博览会；2021年，她的空间影像装置《下午茶》在上海油罐艺术中心及上海展览中心展出；去年她的全新装置作品《启示录》受邀在北京双年展展出……
谭卓，《无限可能的baguette》
上：谭卓，《启示录》
下：谭卓，《下午茶》
但在观众心里，比起“艺术家谭卓”，大家似乎更熟悉她的演员身份。
2009年，谭卓通过出演娄烨导演的电影《春风沉醉的夜晚》正式进入演艺圈，她先后塑造过《我不是药神》里的刘思慧、《延禧攻略》里的贵妃高宁馨、《误杀》里李维杰的妻子阿玉等各类人物角色。因此当谭卓以一个艺术家的身份出现在大众面前时，“跨界”这个词便落在了她身上。
但在谭卓看来，对艺术的渴望与热爱并不是一时兴起，就像她在电影里面饰演的不同角色一样，无论是影像创作，还是艺术家，都应该用多维的视角去看待世界。演员在塑造不同角色时，也是一种创作。长期的表演生涯，为谭卓积累了多角度思考问题的能力，她说在投身艺术事业中时，她将在演艺事业习得的专注、高效融于其中，也将自己的表达与内心的感悟通过艺术作品呈现出来。
艺术创新单元（new Movement）
对艺术的启蒙始于谭卓的童年时期，直到进入演艺圈之后，她才真正把对艺术的热爱付诸实践中去。谭卓向我们提到，她认为艺术是滋养她生命的存在，谈不上身份切换，她享受两重身份流通在她的身体里，相互反哺的感觉。
艺术创新单元的英文名是newMovement，新的能量和新的性情时刻感染着谭卓，她说，新的事情虽然不容易，但如果因为难就迈不开脚步，也看不到诸多的可能性。在new开头的字母的设定上，特意采用了小写，意味着新开始是成长期，也提醒团队要时刻怀揣谦卑的心。
因此设计师、策展人何见平在设计艺术创新单元的LOGO时，将WM设计为上下相交的两个斜叉，寓意像依靠又要主动挣脱的力量感。用这样方式凸显新，是团队的共识。
设计师关佳彦
创新单元第一个板块为大师影像艺术展，谭卓邀请KiKi建筑设计事务所关佳彦负责展览空间设计。
关佳彦，出生于日本神奈川县，硕士毕业于芝浦工业大学，担任日本东京东洋大学讲师，作为电影创新单元的主发起人之一，他全程参与了首个单元影像展的空间设计工作。
关佳彦说，无论是完成一个艺术空间的搭建，还是作为单纯的空间设计，他都愿意从一开始的时候就参与其中。“我需要了解到底要做什么，能为观众带来什么东西、给社会带来怎样的影响，如果从这个部分开始去想，这才是我理解的设计创新。”关佳彦认为创新对于设计来讲是很重要的一部分，他在日本读书期间，教授会在每位同学做题目设计之前，提前定好一个场地。提供的信息除了面积之外都是空白的，至于要将这个场地设计成什么样子、用来做什么等等问题，都是学生需要自己独立思考后给出答案的，直至设计出来一个完整的空间为止。教授评判学生的设计作品，也会按照作品前期的思考深度和创新度作为依据。
幻想的诗学
读书时期养成的设计模式，一直伴随着关佳彦。让他从很早时候便开始思考一个空间与周边环境、社会背景以及人文关怀之间的关系，所以在他每一次设计工作开始之前，思考与想象是第一部分。“通过自我的思考和探索，顺推出我要设计的产品。这是创新的开始。”
幻想的诗学
基于这样的设计步骤，关佳彦也留意到传统的空间设计存在的问题，很多时候设计师根据客户给出的空间需求完成设计，但在这个过程里很容易弄丢自我发挥的机会，在他看来，如果缺少了思考的部分，设计会变成一个机械化的内容。直到现在，关佳彦还是更习惯用手稿的方式把自己的想法画出来。他说，真正的创新是要把空间当成一件完整的事情去做，因此会在这个过程里讲究先后的顺序，比如第一步是前期的思考，有了创新的想法，才能够顺着思路整理出设计的内容。
艺术创新单元（new Movement）
设计师、策展人何见平
为了让更多人了解幻想的诗学，谭卓邀请了六位朋友做这场展览的推荐官，她希望尝试建立人与艺术之间的关联，去寻找内在和外在的秩序。在这期间，她找到了设计师、策展人何见平为展览推荐官做海报设计。何见平以“相遇”为设计思路，传递了艺术创新单元想要呈现给观众的情感联结。
幻想的诗学 海报
他说，艺术的通感特征需要情感上的化学反应，比如两个人经历了各自漫长的孤独徒步后在山顶相遇，即使躯体疲惫，但因为情感上的热度，会让这份相遇变得与众不同，继而挥手道别后，在这一场短暂的相遇过程里，才能窥见天意、巧合、浪漫等多种丰富的情感色彩。
在他的海报设计里，观众看到了每位推荐官的形象以多面向叠影、交叉呈现，他说这一切表明，相遇仅仅是一个时间的节点，艺术家最终还是走入自我意识主导的无人之境。于是在设计这组海报时，何见平围绕不同专业领域的推荐官，展开了视觉上相遇的设计，他通过将图像进行尺寸和Pixel数据的统一处理，将清晰度设为等值。在人物与人物图像“相遇”的过程中，随机形成画面。最终呈现的效果，观众可以从中发现，每个人物的面是多维立体不重复的，这也将电影与艺术跨界创新的概念包含其中，每位艺术家、电影从业者、不同的推荐官，在设计的呈现下，有交织有叠合，何见平认为，每个专业都自带气质，核心在于大家愿意承认跨越专业的相遇带来的情感流通与新的启示。
推荐官海报-谭卓
推荐官海报-肖央
推荐官海报-王昱珩
推荐官海报-仁科
推荐官海报-刘雨昕
推荐官海报-黄渤
推荐官海报-胡歌
在大师影像展《幻想的诗学》里，何见平说，视觉与艺术本质是相通的，艺术是促成两者产生关联的最大契机。艺术家们把自己对世界的认知、想象带入影像作品里，在何见平看来，这是一种创新。
她以精湛的演技和独特的艺术创作，有力证明了其在两个领域皆具卓越才华。她对当代社会和个体命题的独特见解，为观众带来了一系列引人深思的艺术作品。作为北京国际电影节艺术创新单元的创办人，她也将电影专业的深度与艺术的广度用新的视角积极拓展。
BADA = BAZAAR ART & DESIGN AWARDS
谭 = 谭卓
本次芭莎艺术设计大赏的主题为超感设计，你对超感这个词有什么样的理解呢？
我觉得我们北影节的艺术创新单元，这次在设计领域获得奖项，就是一种超感。它既是一种超越我们原有的想象边界，同时从呈现的内容上，又能够带来很多新意。
谭卓，《无限可能的baguette》
表演和艺术创作对于你来说是一个什么样的关系？
我在艺术作品的创作中，也融入了我作为演员的个体经验。这是我站在个人化的角度，我自己生命经验的总结。表演和艺术对我来说，都是表达自我的角色，不论是透过我自己的作品还是我个人演绎的作品或者我的艺术作品，都是在探索自我的边界，同时也是作品与观众之间形成的沟通。
艺术对于你来说是生活的必需品吗？
它们都不是生活的必需品，生活的必需品是空气、水、食物。艺术是生活以外的，如果从刚才讲的角度去看，它们既是奢侈品，可是从社会发展的角度它们又是必需品。
你觉得艺术对于你的生活来说，它是什么？
它是滋养我生命的东西。
谭卓，《无限可能的baguette》
你是一个会提前做计划的人，还是走一步看一步？对之后的艺术创作，你有什么想法吗？
我是比较随性的人，需要看灵感。
你的灵感从哪里来呢？
不一定，它可能随时就来，但是关于灵感的思考其实一直都伴随在我周围。我并不会刻意去寻找灵感，而是主动思考，这样才会在有些事情发生的时候，和自己产生关联、有所启发或者打开一个触动我的开关。
在你的生活当中，美好生活这个词会产生怎样的画面？你的幸福感会从艺术上获取吗？
对我而言，所有我身边的人都获得了幸福感，我认为这就是美好生活。幸福感不只在艺术领域获取，就像刚才我提到的我们每个人都拥有多重的社会角色，当你处在这样一个位置的时候，并不是单一的幸福感能够满足你，幸福和人的角色相近，它是多样的。当然也会因为生活的压力，会让大家更为容易感知到幸福。
KiKi建筑设计事务所创始人及主持建筑师，作品涉及建筑、艺术、文化公益等领域。屡获国际荣誉，如JCD日本空间设计奖、iF设计奖等。
BADA = BAZAAR ART & DESIGN AWARDS
关 = 关佳彦
【幻想的诗学】影像艺术展览空间设计创作过程是怎样的？
首先这个展览也是电影节的一部分，用艺术的方式为电影节做一个展览的表达。谭卓作为电影创新单元的创办人，她希望号召一批影视艺术家，来一起完成这样一个艺术展览空间。所以这个展览我们招了12个艺术大师的影视作品，并且将这12部影视作品以展览的形式对外呈现。影视作品需要搭建，因为我们要保证每部作品之间不会出现声音或光线的干扰。基于这样的背景，我想象观众来到这里走入搭建的空间里看完作品，出来后再进入另外一个空间，这是一个必然存在的行为动作（空间依次看过去，就会有时间的概念）。所以我抓住了时间的轴线，将它作为设计的重点，观众必须要走到外面看完一个作品后，再走入另外一个作品。
一般的展览，观众的注意力是艺术品到艺术品，但是没有中间的体验，我特意把体验的部分做了一个聚焦，在设计过程中强调空间和观众的关系对话。所以12部作品的动线过程，我设计了一个桥的高度，整个场地是长方形的结构，观众从一边走到另一边后，再折返回来又回去，最终再走出来，在这条动线中会看到各个艺术家的作品，但是观众返回时看不到任何作品，只能看到一个桥。其中这个桥要走到底的时候，我们会进到一个屋内，看到一部名叫《长城》的作品，这个作品可以看两次，观众会从不同角度体验不同的状态。因此时间概念的诞生，其实是从不同角度、时间观来体验作品，当看完作品站在作品搭建外的部分，可以把整个空间当成这个空间的装置作品来体验，实际上有两次享受艺术的机会。
在创作作品过程中有没有遇到一些困难？
时间上非常赶，搭建15天设计不到一个月。除此之外，影响作品邀请到的不同艺术家，他们对空间的需求、搭建的需求是不一样的，所以我们的图纸会不断在调整、变化，因为调整一个盒子的大小，周边的间距、尺寸也需要一并修改，所以在这一部分会比较难一些。
在你看来设计创新跟艺术创新有没有关联？
我对创新的理解是它真正想要做什么、它启发的目的是什么。只是这种思考后的结果最终用艺术或设计去表达，用不同角度来看创新这件事的时候，设计会存在一些和AI结合的创新，但对我来说这不是一件重要的事，归根结底我还是会去看最终的出发点是什么。
你似乎更倾向于触觉感受来做设计，而不是凭借电脑技术，为什么？
电脑对我来说是一个道具，我也需要它，比如做模型、效果图，包括为客户解释空间是什么样子的时候，我都需要用到电脑。但我在设计的时候还是相信感觉，屏幕对我来说是有距离的，它需要我想好再去画，我设计有时会用手稿、有时会写很多词，最终在设计的时候会想怎样将它们关联起来，所以在梳理信息的过程中，我画出来或者写出来的内容都是不一定的，电脑对我来说好像不够自由，因为我的内容是不固定的。
艺术创新单元需要独特的视角来呈现艺术作品，在你的作品中，“谦逊的房子”“荒野中的房子”，你为它们取了很多有趣好玩的名字，你认为这也是一种独特视角吗？
我在设计之前会和甲方聊他们的需求，我会留意他们说出来的一些词语，慢慢关注他们的习惯或者镶嵌在他们性格里面，没有被明显提出来的部分，我很喜欢抓住这些点，然后把这些细微的部分当作一个空间化语言化的表达方式。
荒野中的房子
在你的创作当中，你会通过什么样的途径来获取灵感？
对我来说散步和旅行很重要，我很喜欢观察思考，而这两种生活方式很大程度能够为我的创作带来灵感。
我在设计的时候希望能够抓住一个差异点，这样才能让观众对这一部分有所停留和注意。我在日常的时候也会按照这样的思路去散步，很放松地走一走，看到有意思的地方会停下来感受一下，如果不出门的话，是没有办法发现那些有趣的事情的。所以灵感都是来自生活的日常，我希望不断保持这样的状态，主动去发现、去观察。
何见平，设计师、策展人、写作者和出版人。出生于浙江，现居柏林。柏林艺术大学硕士、博士。柏林自由大学博士。hesign主理人。AGI会员。曾出版《想入非非》《中国海报史》《设计之外》等著作。
BADA = BAZAAR ART & DESIGN AWARDS
何 = 何见平
在你看来，坚持创新是设计师最重要的条件吗？
表面上看起来，设计师通过自己的个性和对专业的认知，形成某种风格，是一种专业的睿智。这样就会对每个设计项目的品质和速度都有一个保障。从客户那边来看，也许正是这种所谓“风格”吸引了他们判断设计师的重要性。这是一种互惠双赢的专业目标吗？我自己曾经也在这种取向中停留过。但我从造型艺术中观察，无论毕加索还是里希特，他们在专业领域中的奋斗和挣扎，都是为了从一种自己创造的个人风格中进行蜕变，进入一个自己未知而更为深邃的领域，尽管人摆脱自己的束缚才是最难的，他们一生都在努力创造新的自己。这从另一面提醒我，是否要将自己熟悉的表现方法和所谓的风格抛弃，进入时刻创新的领域呢？当然平面设计不完全是造型艺术，平面设计更需要突破自我风格的笼罩，因为这个自我风格的核心化是不客观的存在。因为我们会遇到各种不同的客户，我们需要不断有认知增加才行。面对不同的专业、不同的课题、不同的客户，我们设计师坚持一种自己明晰的设计风格是不够的，也是不科学的。
“Design is thinking made visual.”——Saul Bass
这句话，烙印在我心头，令我回到坚持创新的路上。
你认为艺术的创新，是一种综合性的力量吗？它具体呈现在哪些方面呢？
无论艺术的创新，还是设计的创新，都是艺术家、设计师自我认知在增加后的一种自我的意识。前提是在自我原来的认知基础上，有一种增加。这种认知的增加，总是通过阅读、创作、观察、思考、讨论等学习的方法来获得。它是综合性的，甚至可以说是非专业性的，可能比专业性的认知更重要。艺术家、设计师为什么要创新呢？可能是通过自己认知的增加，而被探索自己艺术能力中未知领域的神秘所吸引。
我给你念一段文字：
“我生活中充满了疑问，都得我自己去找寻解答。我要知道的太多，所知道的又太少，有时便有点发愁。就为的是白日里太野，各处去看，各处去听，还各处去嗅闻，死蛇的气味，腐草的气味，屠户身上的气味，烧碗处土窑被雨淋以后放出的气味，要我说来虽当时无法用言语去形容，要我辨别却十分容易。蝙蝠的声音，一只黄牛当屠户把刀插进它喉中时叹息的声音，藏在田塍土穴中大黄喉蛇的鸣声，黑暗中鱼在水面拨剌的微声，全因到耳边时分量不同，我也记得那么清清楚楚。”
这是能让人反复阅读、反复朗诵的文字。人是复杂的，他的追求是更新式的，又是痛苦和疲惫的。创新就是人不断蜕变的过程。
《幻想的诗学》展览，带给你最大的感触是什么？
今天的电影中依存了很多不成文的模式，这些模式的存在，造成了电影图形传播和当代平面设计的分离。比如电影海报，往往是按角色大小形成头像比例大小的蒙太奇组合图形，然后在角上用书法写一个墨汁飞扬的电影名称。这种模式贯穿在多个电影、电视剧形象中。我对谭卓主导的“电影节艺术单元”报了极大的好奇，视觉艺术是相通的，而艺术则是相通的最大可能性。我将这种将电影和艺术相结合的展示尝试，视为创新。
去年你出版了《设计之外》一书，提及最多的是个人的情绪情感，你认为这是你在设计中也执意追求的部分吗？
只有人的情感才是学科进步的催化剂，哪怕最冷静的设计历史书写。没有个人的情感助力，文字就像失去润滑剂的齿轮，伴随刺耳的杂音，变得难以被阅读和接纳。一个容易被感动的人，才具备了书写的可阅读性。设计和文字一样，必须温暖。如果失去了被感动的可能性，文字变冷，难以卒读，设计就无法传承善意。
何见平，《设计之外》
设计与艺术之间，它们最大的区别是什么？在相互作用的过程中，带给你最直观的感受是什么？
艺术在创作中是艺术家私人的见解，它没有任何束缚和对象。它承载了艺术家个人的信息，但在被关注时，这些艺术家的个人信息变得不再重要，欣赏者各自不同的视觉接纳和心理反应成为新的信息，这正是艺术的魅力所在。艺术家创造的东西成为欣赏者自己的情绪。而设计是有课题明确的内容限制的，它需要预设接收者对图形和文字信息的心理反应。设计有着先入为主的接受者心理了解。这种预设，限制着图形的创造，或者文字的内容结构。在德文中，设计这个词叫“Gestaltung”，这个词也同样是心理学的一个名词。
一直以来，电影艺术与创新并不趋从于一个独立的单元，但二者之间相互关照，为观众勾勒描摹出一幅具有生态流动性的场景。电影艺术表达、记录了一个阶段性的时间产物，电影艺术没有标注明确的流经之地，但与传承和创新休戚与共。当艺术家、策展人、设计师们，从不同的维度与视角出发，洞见某一处【新】的土壤，将其塑造、揉捏成一个全新的角色，并为其注入来自不同场域、不同声音、不同风格的内容时，创新实际上已经在他们各自的世界里完成了。创新与艺术之间，是纵横交错的通道，只不过它们需要时间去开启。
图片由谭卓、关佳彦、何见平提供
